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Ses photographies et ses comptes rendus écrits, empruntant le style descriptif du reportage ou de l'inventaire, attestent la réalité des situations qu'elle crée : femme de chambre dans un hôtel, strip-teaseuse dans une fête foraine, poursuite d'un homme à Venise, etc. Souvent fondées sur des règles et des contraintes, ses œuvres interrogent la limite poreuse entre sphère publique et sphère privée et le caractère interchangeable des positions du voyeur et de l'exhibitionniste. Le thème de la disparition de personnes ou d'objets, dont l'existence est avérée par quelques traces et dont l'absence est enregistrée par la photographie, constitue également un thème de prédilection de l'artiste. Elle se caractérise par un esprit provocateur. Elle a été par exemple la première photographe à présenter une exposition… dont elle n'avait pas pris elle-même une seule photo : elle avait demandé à une agence de détectives privés de la prendre en filature et de la prendre en photo à son insu. Ce sont ces photos d'elle qu'elle exposa. Ses travaux sont aussi caractérisés par la mise en scène de l'artiste elle-même. Sophie Calle utilise la plupart du temps les récits d'histoires qu'elle a vécues (Histoires vraies).

Visualisez à la demande CONTACTS : SOPHIE CALLE

Sophie Calle est une artiste plasticienne, photographe, écrivaine et réalisatrice. Son travail consiste à faire de sa vie, notamment les moments les plus intimes, son œuvre en utilisant tous les supports possibles (livres, photos, vidéos, films, performances…).

Sophie Calle

Contacts : Sophie Calle

Souvent qualifié à tort de scandaleux ou provocant, son travail photographique, commencé au début des années 70, la situe au point le plus extrême de la photographie moderne, celui où la prise de vue s'empare de l'existence même du photographe pour en explorer tous les versants, sans limites ni tabous. Ainsi, Nan Goldin a capté en images les aventures les plus intimes de sa propre vie, au coeur des turbulences de l'underground new-yorkais. Des images qui relatent ses amours, ses plaisirs, ses amis, travestis, homosexuels ou transsexuels, mais aussi sa solitude, sa dépendance à la drogue, son extrême fragilité et sa difficulté à survivre.

Visualisez à la demande CONTACTS : NAN GOLDIN

Pour la première fois en treize minutes d’un monologue de vérité brute, Nan Goldin raconte elle-même dans “Contacts” ce qui la lie à ses images.

Nan Goldin

Contacts : Nan Goldin

"...Les photographes en général pensent que la photo reproduit fidèlement ce qu'ils voient. Que réalité et vérité sont presque synonymes. Je ne crois pas moi en la réalité. c'est pourquoi j'aime dans mes photos non pas dire au spectateur ce qu'il sait déjà, mais le contredire dans ses attentes..." (Duane Michals)

Visualisez à la demande CONTACTS : DUANE MICHALS

La photographie entre réalité et vérité.

Duane Michals

Contacts : Duane Michals

Les photos de Sarah Moon font l'objet de publication dans de nombreux magazines (Vogue, Sunday Times, Harper's Bazaar, Marie-Claire, Elle, Frankfurter Allgemeine, Photo, Zoom, Graphics, Time Life), ainsi que dans des livres (Souvenirs improbables, Le Petit Chaperon rouge, Vrais-semblants). Elle a également participé à de nombreux ouvrages photographiques collectifs sur la photo de mode. Depuis 1980, elle a signé plus de 150 films publicitaires, ainsi qu'un long métrage de cinéma. Sarah Moon est aussi l'auteur d'une oeuvre photographique très personnelle, mettant en lumière la beauté fugitive, l'éphémère, l'usure du temps.

Visualisez à la demande CONTACTS : SARAH MOON

Photographe de mode et de publicité depuis 1968, elle obtient très vite éloges et prix à Paris, Londres, New York ou Tokyo, où ses expositions sont très remarquées.

Sarah Moon

Contacts : Sarah Moon

Passionné par le cinéma de Dreyer, Bresson, Godard et Ozu, Nobuyoshi Araki débute en 1964, avec une série de photos sur les enfants de Tokyo faite lors du tournage de son propre film. En 1971, il publie à son compte "Sentimental Journey", un roman photographique sur son voyage de noces dans lequel figurent des scènes banales, quotidiennes, vécues avec sa femme, y compris des scènes d'amour. Il revendique alors une forme radicale de photographie subjective où la vérité se nourrit de la confrontation avec les choses intimes de la vie, ce qu'il appelle le "photo-je" par opposition à la photographie documentaire et journalistique qui régnait dans les années 70. En jouant sans cesse à la lisière de la vérité et de la fiction, il produit une énorme quantité d'images, publie une dizaine de recueils par an, organise simultanément plusieurs expositions et manifestations.

Visualisez à la demande CONTACTS : NOBUYOSHI ARAKI

La ville, les femmes, le ciel et les fleurs vus par le photographe japonais Nobuyoshi Araki.

Nobuyoshi Araki

Contacts : Nobuyoshi Araki

Sugimoto vit et travaille à New York depuis 1974. La carrière photographique de Sugimoto commence avec la série "Dioramas" (1976-1980, reprise en 1992). Dans le Muséum d'histoire naturelle de New York, il photographie les installations d'animaux sauvages naturalisés devant des paysages peints - les espaces de l'illusion et du simulacre. La série suivante, "Theaters" (1978-1980), traite des intérieurs de théâtres américains des années 1920-1930, reconvertis en salles de cinéma. En situant un écran au centre du cadrage, Sugimoto expose sa pellicule pendant toute la durée de la projection. C'est ainsi que la lumière de l'écran, totalement surexposée dans l'image, éclaire méticuleusement les décors de la salle. Comme les précédentes, la troisième série est réalisée à l'aide d'une chambre 8 x 10 pouces et s'intitule "Seascapes" (1980). Les éléments primordiaux comme la mer, l'air, la lumière et l'horizon correspondent à une recherche obstinée sur le temps et l'état originel de la mémoire humaine.

Visualisez à la demande CONTACTS : HIROSHI SUGIMOTO

Après des études d'économie à la Rikkyo Saint-Paul's University de Tokyo, Sugimoto quitte le Japon en 1970 pour étudier la photographie à l'Art Center College of Design de Los Angeles.

Hiroshi Sugimoto

Contacts : Hiroshi Sugimoto

Les images de Gursky sont des variations sur la distance avant d'être des paysages ou des photographies d'architecture.Etudiant à la Kunstakademie de Düsseldorf entre 1981 et 1987, Gursky y bénéficie de l'enseignement de Bernd et Hilla Becher.Affiliées à la photographie objective, les images de Gursky sont des variations sur la distance avant d'être des paysages ou des photographies d'architecture. Distance, éloignement, vues plongeantes, à l'échelle de ces photos l'homme ne tient qu'une toute petite place. Le plus souvent, il est à peine perceptible dans le cadre, et sa présence s'apparente plutôt à une trace, au sens chimique du mot. Tel un expérimentateur regardant depuis une autre planète, Gursky observe et ajuste les impeccables images d'une post-modernité terrienne.

Visualisez à la demande CONTACTS : ANDREAS GURSKY

L'exposition "La photographie à Düsseldorf " retrace l’histoire de l’objectivité photographique allemande des années 70 à nos jours.

Andreas Gursky

Contacts : Andreas Gursky

Une s&eacute;rie de portraits de jeunes gens, commenc&eacute;e en 1984 et pr&eacute;sent&eacute;e &agrave; la Biennale de Venise (&#39;&#39;Aperto&#39;&#39;, 1984), reprend les codes de la photographie d&#39;identit&eacute; ; un parti-pris d&#39;anonymat et d&#39;objectivit&eacute; similaire se retrouve dans la s&eacute;rie des &#39;&#39;Maisons&#39;&#39; (1986). Thomas Ruff explore en particulier le besoin d&#39;illusion analogique et le d&eacute;sir d&#39;identification qui nous font rechercher dans une photographie la preuve d&#39;une existence v&eacute;ritable, d&#39;une identit&eacute;, d&#39;un &eacute;v&eacute;nement. Ses images placent subtilement le spectateur au coeur des ambigu&iuml;t&eacute;s qui caract&eacute;risent l&#39;exp&eacute;rience photographique. Elles renvoient &agrave; des objets du monde ext&eacute;rieur, parfois de fa&ccedil;on spectaculaire, mais elles nous confrontent aussi &agrave; la n&eacute;cessit&eacute; de nous interroger sur la place que nous occupons en face d&#39;elles (physiquement et mentalement), sur le sens de ce que nous y cherchons ou de ce que nous y projetons.

Visualisez à la demande CONTACTS :  THOMAS RUFF

Un des chefs de file d&#39;une nouvelle g&eacute;n&eacute;ration allemande. Ruff utilise le m&eacute;dium photographique de mani&egrave;re documentaire et objective, dans des grands formats en couleur.

Thomas Ruff

Contacts : Thomas Ruff

Jeff Wall est n&eacute; au Canada en 1946. Il vit et travaille &agrave; Vancouver. Ses photographies s&eacute;duisent par leur composition exceptionnelle. Jeff Wall utilise des formes historiques et contemporaines pour repr&eacute;senter les r&eacute;alit&eacute;s sociales de la vie moderne. Son langage pictural s&#39;inspire tr&egrave;s largement de la peinture et du cin&eacute;ma.

Visualisez à la demande CONTACTS : JEFF WALL

Un art photographique r&eacute;solument moderne.

Jeff Wall

Contacts : Jeff Wall

Etudiant au San Francisco Art Institute en 1967, il réalise en 1971, les Tract Houses, des photographies de maisons préfabriquées, qui sont l'objet, la même année, de sa première exposition personnelle à la galerie Leo Castelli de New York. La dépression de la société industrielle, ses résidus, puis la technologie comme instrument du contrôle social constituent des thèmes majeurs de son oeuvre. Au gré de ses démonstrations, Lewis Baltz utilise pour ses images, le principe des supports multiples : tirages en noir et blanc, films couleur sur panneaux lumineux, CD Rom ou bandes vidéos. Seule compte en définitive la variation des formes par lesquelles il rend compte du caractère de nos sociétés modernes, dont l'ordre apparent dissimule le chaos.

Visualisez à la demande CONTACTS : LEWIS BALTZ

Focus sur la société industrielle et son évolution depuis la fin des années 60.

Lewis Baltz

Contacts : Lewis Baltz

Dans les ann&eacute;es 80 Bustamante prenait des vues de paysages relevant &agrave; la fois de la tradition picturale du motif et du r&eacute;alisme propre aux campagnes photographiques relatives &agrave; l&#39;&eacute;tude de l&#39;am&eacute;nagement du territoire. Bustamante cherche &agrave; traiter l&#39;image en tant que mat&eacute;riau. Celle-ci gagne effectivement en mat&eacute;rialit&eacute; avec la s&eacute;rie des &quot;Lumi&egrave;res&quot; initi&eacute;e en 1989-1990, de grands tirages s&eacute;rigraphiques sur plexiglas. Salles de classes, halls, lieux publics d&eacute;sert&eacute;s sont les sujets de ces photographies o&ugrave; les &eacute;l&eacute;ments mobiliers et d&#39;architecture sont tr&egrave;s souvent repr&eacute;sent&eacute;s en s&eacute;rie. Le cadrage, la construction de l&#39;image place ces oeuvres dans la lign&eacute;e d&#39;une &eacute;cole europ&eacute;enne de l&#39;objectivit&eacute;. Ces pi&egrave;ces photographiques font toujours partie int&eacute;grante des installations pr&eacute;sent&eacute;es par l&#39;artiste, aux c&ocirc;t&eacute;s de ses r&eacute;alisations tridimensionnelles. Bustamante est s&eacute;lectionn&eacute; en 1987 pour la Dokumenta de Kassel. Le mus&eacute;e d&#39;Art moderne de la Ville de Paris lui consacre en 1990 une exposition personnelle.

Visualisez à la demande CONTACTS : JEAN-MARC BUSTAMANTE

Les premi&egrave;res photos de l&#39;artiste datent de 1974. Il traite ses tirages comme des tableaux.

Jean-Marc Bustamante

Contacts : Jean-Marc Bustamante